![Сообщество Mos-Holidays.ru в Одноклассниках]](https://mos-holidays.ru/wp-content/themes/holidays-7.4-php/images/soc5.png)
Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина – настоящая сокровищница, хранящая множество ценностей. Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX вв. – один из его корпусов. С 2006 года в ее стенах демонстрируются шедевры авангардных течений, романтизма, постимпрессионизма, романтизма, импрессионизма и других направлений.
В залах представлены произведения из собраний знаменитых столичных коллекционеров и ценителей живописи И. Морозова, И. Остроухова, С. Щукина, П. Харитоненко, С. Третьякова и других. Гордость галереи – полотна Э. Дега, К. Моне, П. Пикассо, П. Сезанна, А. Матисса, В. Ван Гога, П.О. Ренуара и других. В нашей подборке – 30 бессмертных творений мастеров.
1. «Голубые танцовщицы»
Автор: Эдгар Дега.
Год создания: 1898.
Э. Дега показывал в своем творчестве сюжеты из рядовой жизни. Одной из его любимых тем стал балет. «Голубые танцовщицы» – самая известная картина художника, рассказывающая об этом виде искусства. Она выполнена пастелью, что позволило добиться единства цвета и линий.
На первый взгляд, полотно демонстрирует зрителю один из моментов репетиции. При детальном рассмотрении появляется ощущение движения и танца. Существует мнение, что художник изобразил одну балерину, которая кружится в зале, и мастер запечатлел ее под разным углом, применив приемы кадрирования.
2. «Девочка на шаре»
Автор: Пабло Пикассо.
Год создания: 1905.
Знаменитая «Девочка на шаре» была написана на стыке «розового» и «голубого» творческих периодов Пикассо. В это время художник увлекся цирковой тематикой, поэтому представленный образ не уникален. Пабло никогда не показывал артистов на рабочем месте. На его полотнах они оказывались в пространстве, напоминающем пустыню.
Картину от других подобных отличают яркие противопоставления, противоречия и контрасты. Взор зрителя падает одновременно на гибкий стан стоящей на шаре девочки и мускулистую фигуру атлета, который сидит на кубе, веселых персонажей и унылую панораму барханов. Внимания заслуживает композиционное решение: удерживая равновесие, эквилибристка протягивает руки вверх, ее фигура связывается с небосклоном. Этому также способствует цветовая гамма: трико героини почти совпадает по тону с оттенком неба.
3. «Белые кувшинки»
Автор: Клод Моне.
Год создания: 1899.
Около своего дома в Живерни Моне обустроил пруды, а над ними установил мостики. Живописный вид, увлечение японским искусством и культурой вдохновили его на создание серии работ с мотивом кувшинок. В произведении также прослеживается тенденция превращения выполненной на мольберте картины в панно, что стало закономерностью для поздних работ мастера.
Полотно открывает перед нами вид на японский мостик и пруд, усыпанный цветами. Сад утопает в густой зелени, за которой угадывается голубое небо. Ветви плакучих ив отгораживают этот райский уголок от мира, делают его уютным, тихим, волшебным. В данном произведении, как и во многих других, написанных на рубеже веков, на первый план выходит декоративность.
4. «Мадонна перед чашей с причастием»
Автор: Жан Огюст Доминик Энгр.
Год создания: 1841.
Энгр – один из самых ярких последователей классицизма в живописи, поклонник итальянского Ренессанса. Данную картину он написал по заказу Александра II. В ней прослеживается желание художника сохранить традиции эпохи Возрождения и его любовь к творчеству Рафаэля.
Главная героиня, Мадонна, расположена в центре и изображена ярко за счет свечения и струящихся линий, которые создают ощущение объема. С обеих сторон от нее – второстепенные персонажи. Они затемнены, их контуры нечеткие. Само полотно геометричное и симметричное. Примечательно, что произведение не соответствует своему названию: чаши с причастием на картине нет.
5. Портрет актрисы Жанны Самари
Автор: Пьер-Огюст Ренуар.
Год создания: 1877.
О. Ренуара часто называют «живописцем счастья». Такое состояние радости, душевной ясности и спокойствия художник считал естественным и стремился им поделиться во всех работах. Жанна Самари была одной из любимых моделей мастера. Он 4 раза писал портрет актрисы, но хранящийся в ГМИИ эксперты признали лучшим.
Картина чем-то походит на фотографию. Возникает ощущение, что на ней зафиксирован миг встречи живописца и девушки. У Жанны сияют глаза, на лице видна сдержанная улыбка. Используемые нежные тона и розовый фон подчеркивают молодость, женственность и обаяние актрисы. У полотна есть особенность: если на зеленое платье Самари посмотреть под определенным углом, то оно станет синим.
6. «Жена короля»
Автор: Поль Гоген.
Год создания: 1896.
«Жена короля» является одним из лучших произведений П. Гогена, написанных во времена так называемого «таитянского периода» в творчестве. Художник жил на острове, изображал местных женщин, благоухающую природу. Сюжеты он дополнял религиозными, мифологическими образами.
В центре данной картины – могучая туземка. Она лежит на траве около моря, а вокруг бушует зелень, разбросаны экзотические фрукты. Неподалеку пробегает зверь, беседуют старики, собирает плоды женщина. Полотно напоминает «Олимпию» Мане, но кажется более первобытным и диким из-за изобилия красок.
7. «Бульвар Капуцинок в Париже»
Автор: Клод Моне.
Год создания: 1873.
«Бульвар Капуцинок в Париже» – одно из самых знаменитых произведений Моне, которое считается шедевром импрессионизма. Примечательно, что современники не оценили полотно, называли «размазанным», «незавершенным» и всячески насмехались над художником, увлекшимся новым течением в живописи.
Картина демонстрирует вид на бульвар с балкона одного из домов. Автор не стремится показать архитектурный облик улицы, он раскрывает ее панораму в целом. Люди, деревья, экипажи, здания – все смешалось в этом уголке французской столицы. Здесь самое главное – свет, который меняет цвета, форму предметов, создает ощущение весны, свежего воздуха.
8. «Красные виноградники в Арле»
Автор: Винсент Ван Гог.
Год создания: 1888.
Долгое время считалось, что «Красные виноградники в Арле» – это единственное произведение Ван Гога, проданное при его жизни. Впоследствии стало известно, что художнику удалось реализовать несколько работ. Также существуют данные о том, что запечатленный на картине яркий куст живописец увидел по время прогулки в компании П. Гогена.
Особенности стиля автора узнаются сразу. Солнце изображено не так, как у других импрессионистов. Оно выглядит как диск, его лучи концентрические. Линия горизонта высокая, что характерно для позднего Ван Гога.
9. «Пьеро и Арлекин»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1888-1890.
«Пьеро и Арлекин» – одна из самых известных картин Сезанна. Она рассказывает об окончании масленичного карнавала и знакомит с комедийными персонажами. Почему художник выбрал нехарактерную для себя тему – загадка. Зато его новаторская трактовка этого сюжета оказала существенное влияние на последователей-живописцев.
В центре композиции – два героя с противоположными темпераментами и образами. Пьеро – мечтательный, бледный, хрупкий, меланхоличный. Арлекин – зажигательный, динамичный, с дьявольским блеском в глазах. Работа представляет собой размышление Сезанна о судьбе артистов, их умении менять маски, играть разные роли на сцене и в жизни.
10. «Сирень на солнце»
Автор: Клод Моне.
Годы создания: 1872-1873.
В начале 1870-х годов К. Моне увлекся пленэрной живописью. В этот же период совместно с К. Писсарро он посетил Лондон, где открыл для себя новые способы передачи на полотнах солнечного освещения, контраста тени и света. В результате появилась «Сирень на солнце», ставшая творческой импровизацией и при этом самим воплощением импрессионизма.
Художник не использует серые мрачные цвета, а само изображение лишено точных деталей. Складывается ощущение, что мы видим произведение сквозь какую-то пелену. Но при этом картина утопает в лучах солнца, от нее исходит тепло. Именно свет объединяет все детали: розово-лиловую сирень, сочную зеленую листву и женщин, укрывшихся от жары.
11. «Просушка парусов»
Автор: Андре Дерен.
Год создания: 1905.
Картина создана А. Дереном в рамках сотрудничества с А. Матиссом. После парижского Осеннего салона 1905 года полотно признали прародителем течения «фовизм». В этот период художник был озабочен вопросом передачи цветов в условиях яркого солнца, так как оно уничтожало тень. В итоге мастер пришел к отрицанию теней и начал передавать их через отблески и контрастные пятна.
Этот прием виден в «Просушке парусов». В центре сюжета – стоящие у берега лодки. Очевидно, что действие разворачивается где-то на юге. Светотеневая моделировка отсутствует, пространство построено с помощью крупных мазков интенсивных цветов. Кое-где просматривается холст, но он выглядит как лучи солнца.
12. «Белая ночь» или «Девушки на мосту»
Автор: Эдвард Мунк.
Годы создания: 1902-1903.
Картина написана в период увлечения Э. Мунка стилем модерн. Произведение создавалось недалеко от норвежской столицы, на берегу фьорда, где художник приобрел летний домик. «Белая ночь» – яркий пример фирменного стиля автора, который формировался под влиянием творчества Ван Гога.
В центре сюжета – три девушки. Они стоят на мосту и вглядываются в воду, в которой отражаются дома, облака, деревья. Особенность полотна – сочетание ярких цветов и динамичных линий, которые как бы «бегут» вдоль холста, навстречу зрителю. В отличие от знаменитого «Крика» оно передает положительные эмоции, здесь нет места страху и отчаянию.
13. «Красные рыбки»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1912.
На первый взгляд, «Красные рыбки» А. Матисса – незамысловатое произведение. В центре сюжета – уголок оранжереи, где установлен аквариум. Его обитатели, растения и их листья, а также круглый столик составляют основу композиции. Но оригинальный стиль художника превратил этот простой мотив в удивительное и завораживающее полотно.
В данной картине автор выразил эмоции при помощи цвета. Обратная перспектива в изображении стола напоминает о приемах средневековой живописи. Не менее интересны используемые углы зрения. На ножку и аквариум Матисс смотрит сбоку. При этом на стол – сверху. Примечательно, что художнику удалось гармонично соединить противоречащие друг другу красный и зеленый цвета. В итоге полотно получилось позитивным и притягивающим, в нем не чувствуется агрессия или напряжение.
14. «Шампанское и розы»
Автор: Михаил Ларионов.
Годы создания: конец 1920-х.
Ларионов — ученик И. Левитана и В. Серова. Образование и талант помогли ему стать выдающимся художником своего времени, создателем авангардного течения «лучизм». В годы написания картины «Шампанское и розы» Михаил Федорович увлекся оформлением спектаклей, тем не менее натюрморт получился запоминающимся и отличающимся невероятно тонким колористическим решением.
С помощью розового и серого оттенков, их нюансов и сочетаний художник показывает нам украшенный цветами стол, на котором стоят два бокала и открытые бутылки с игристым напитком. Слегка угадывается узор на скатерти, виден рисунок на обоях. И этого достаточно, чтобы полотно запало в память как образец натюрморта с нотами наивного искусства.
15. «Муза, вдохновляющая поэта»
Автор: Анри Руссо.
Год создания: 1909.
В галерее хранится дубликат картины, написать который Руссо подтолкнуло сложное материальное положение. Оригинал демонстрируется в Художественном музее Швейцарии. Художник считал себя академическим живописцем, тогда как современники называли его новатором и авангардистом.
«Муза, вдохновляющая поэта» подтверждает мнение коллег мастера. На полотне запечатлены друг Анри поэт Гийом Аполлинер и его жена Мари Лорансен, отдыхающие в Люксембургском саду. Но замысловатые деревья и диковинные плоды, окружающие пару, заставляют терять связь с реальностью. Картина имеет признаки наивной живописи – отсутствие светотени, выделенные контуры. Также ее можно отнести к парадным портретам. Присмотритесь: изображенные в полный рост герои держат в руках атрибуты, указывающие на их род деятельности.
16. «Старый еврей с мальчиком»
Автор: Пабло Пикассо.
Год создания: 1903.
Картина написана в годы так называемого «голубого периода» творчества Пикассо, когда его индивидуальность лишь начинала формироваться. При этом полотно раскрывает самую актуальную тему того времени – сосуществование индивидов, стремление быть вместе. В центре произведения – нищие и беззащитные персонажи. Слепой изможденный старик и болезненный худой мальчик вжались друг в друга, образуя одно целое.
Незрячий дед олицетворяет собой истинную духовность. Благодаря своему опыту он становится защитой для ребенка, его путеводителем в мир. Мальчишка, наоборот, смотрится слепым: его глаза не двигаются, на лице нет эмоций. Серо-синие фигуры выделяются на аналогичном фоне благодаря контуру. Используемые цвета, отсутствие перспективы, минимальная светотеневая моделировка создают напряжение, настроение безысходности, тоски и невозможности изменить этот мир.
17. «А, ты ревнуешь?»
Автор: Поль Гоген.
Год создания: 1892.
Убежав на Таити от европейской цивилизации, Гоген стремился писать полотна, которые свободны от условностей и рамок, отличаются примитивными формами, варварским сочетанием цветов, первобытными сюжетами, но при этом пронизаны наивностью и чистотой. Надо сказать, что ему это удалось.
На острове художник создал свои лучшие произведения. «А, ты ревнуешь» – картина, знакомящая нас с двумя туземками, отдыхающими после купания. Они обнажены, расслаблены и ведут неспешный диалог о любви. Тела женщин написаны объемно, что создает контраст с плоским фоном – водой и песком.
18. «Полифем»
Автор: Морис Дени.
Год создания: 1907.
М. Дени принадлежал к группе художников «Наби». Единомышленники считали, что действительность не стоит изображать реалистично, они отвергали светотень, перспективу и добавляли в свои работы элементы декоративности. Эти особенности присущи и картине «Полифем».
В работе соединены реальность и сказка. На переднем плане изображены отдыхающие люди. За ними разместился великан-циклоп, играющий для нимфы Галатеи романтическую мелодию. Согласно мифологии, лишь она могла растопить сердце Полифема.
19. «Мастерская художника»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1911.
В своем творчестве Матисс был верен течению «фовизм». Но в данном произведении он вспоминает об импрессионизме: пейзаж за окном прорисован детально и состоит из тонких отдельных мазков. Интересен также другой связанный с картиной факт: стены в реальной мастерской живописца имели белый цвет, тогда как на полотне они приобрели ярко-розовый оттенок.
Центральные детали композиции – ковер на полу и висящая на ширме ткань. Этот мотив мастер использует регулярно. Матисс происходил из семьи ткачей, увлекался мусульманской культурой, с интересом посещал выставки текстиля, а потому любил изображать материи с удивительными узорами и причудливыми орнаментами.
20. «Оперный проезд в Париже»
Автор: Камиль Писсарро.
Год создания: 1898.
Конец 1890-х годов считается пиком творчества К. Писсарро. В это время он проживал в парижском отеле «Дю Лувр». Из окон номера открывался вид на Оперный проезд, который привлекал художника не столько поэтичностью и архитектурными достопримечательностями, сколько метаморфозами панорамы из-за изменения освещения и погодных условий в течение дня. В итоге за 2,5 месяца мастер создал две серии полотен, посвященных этому месту.
Но Писсарро и его картины ждала сложная судьба. Из-за войны живописец спешно покинул французскую столицу и не вывез работы. В его доме развернулся магазин, владельцы которого использовали произведения в качестве половиков. Сохранились считанные экземпляры, которые получили мировое признание. В их числе значится «Оперный проезд…», техника написания которого восхищает виртуозностью. Автор применил множество мелких мазков, которые создали эффект дуновения ветра и падения снега.
21. «Купание на Сене» или «Лягушатник»
Автор: Огюст Ренуар.
Год создания: 1869.
«Купание на Сене» входит в число первых пейзажей, написанных импрессионистами. Это самая ранняя работа О. Ренуара в собрании ГМИИ. Полотно переносит зрителя на остров Круасси, где любили отдыхать многие парижане. Они часто называли это место лягушатником.
В центре сюжета – купальщики, лодки и гуляющие горожане. Картина выполнена маленькими, как бы вибрирующими мазками разных оттенков, которые выделяют предметы и сливаются в единую цветовую гамму. Круасси О. Ренуар посещал в обществе К. Моне. На берегу художники создавали этюды, делали пленэрные открытия, которые впоследствии повлияли на технику молодых живописцев.
22. «Завтрак на траве»
Автор: Клод Моне.
Годы создания: 1865-1866.
«Завтрак на траве» – сравнительно раннее произведение Моне, что становится очевидным из-за обилия в палитре черного цвета. Планируя труд над картиной, художник намеревался создать масштабное полотно шириной свыше 6 метров. При этом он выбрал тему, которую несколькими годами ранее использовал в своем творчестве Мане и сумел произвести фурор.
Работа шла сложно, и накануне выставки мастер разрезал холст. Спустя время он написал уменьшенный вариант. Моне, в отличие от Мане, изобразил всех героев одетыми, сделал акцент на пейзаже, солнечном свете и человеческих фигурах, не уделив особого внимания лицам. Интересен вырезанный на дереве символ – сердце. По мнению экспертов, так художник признался в любви Камилле Донсье, роман с которой ему приходилось скрывать.
23. «В комнатах» или «Сцена в интерьере»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1869-1871.
«В комнатах» – одно из первых произведений Сезанна. Картина показывает, что художник находится в поиске себя, но при этом увлечен искусством старых художников и следует принципам Г. Курбе.
На полотне запечатлены сестра и мама автора. Женщины кажутся неподвижными, как статуи. Цвета выбраны яркие и мрачные одновременно. Они создают напряженную обстановку, передают повышенную эмоциональность, которую, вероятно, в первые годы творчества Сезанну приходилось в себе усмирять.
24. «Нападение ягуара на лошадь»
Автор: Анри Руссо.
Год создания: 1910.
Руссо нравилась Мексика, он часто рассказывал о путешествии в эту страну своим знакомым. Правда заключается в том, что художник там никогда не был. Эти фантазии повлияли на творчество мастера: он написал «Нападение ягуара…». Картина полна противоречий и неправдоподобных деталей. Ветви неестественно переплетены, краски невероятно яркие, цветы и листья имеют нереальные размеры, а странно сложенные ноги лошади чем-то походят на женские.
Работа над произведением шла в Зоологическом и Ботаническом садах. Автор использовал открытки, атласы, марки, беседовал с теми, кто бывал в тропических лесах. Тем не менее, полотно показывает главное – безграничный полет мыслей мастера, его неуемную фантазию.
25. Портрет Амбруаза Воллара
Автор: Пабло Пикассо.
Годы создания: 1909-1910.
Амбруаз Воллар – коллекционер картин, торговец живописью и антиквариатом. Он первым заметил и по достоинству оценил работы Пикассо и даже устроил выставку его произведений в своей галерее. Написанный портрет признан истинным шедевром аналитического кубизма.
Несмотря на то, что полотно имеет множество планов и не позволяет сфокусировать взгляд на лице, сходство с моделью передано отлично. Видно все: тяжелые веки, широкий нос, большой вес, высокий лоб и сжатый рот Воллара. Каждый элемент картины как бы излучает внутренний свет, создает иллюзию движения. Кажется, что это осколки зеркала, в котором сохранилось отражение Амбруаза.
26. «Ужин после маскарада»
Автор: Тома Кутюр.
Год создания: около 1855.
Т. Кутюр – талантливый ученик П. Делароша и А.-Ж. Гро. Он не стал слепо следовать традициям академизма и выбрал свой авторский стиль. Позднее художник дал немало уроков Э. Мане. Прототипами для «Ужина после маскарада» стали знакомые мастера. Считается, что в образе Пьеро автор изобразил себя. На это намекают длинные вьющиеся волосы, густые брови, усы и острый подбородок – все эти детали есть на многих автопортретах.
Эксперты с легкостью узнают место, где развернулось действие. Перед зрителем – зал ресторана «Золотой дом» в Париже. Здесь часто бывал Кутюр. Кроме того, в годы создания картины балы-маскарады проводились регулярно. Получается, что запечатленная на картине сцена не является чем-то необычным, она показывает типовое времяпрепровождение людей, нравы и предпочтения того времени.
27. «Восстание»
Автор: Оноре Викторьен Домье.
Годы создания: 1848-1849.
О. Домье жил в сложные времена. Это побудило его запечатлеть исторические события в карикатурах, картинах, скульптурах. Работы мастера-демократа пронизаны личными творческими и политическими идеалами. Творец стал свидетелем двух французских революций, состоявшихся в 1830 и 1848 годах. Последней он посвятил полотно «Восстание».
Произведение показывает, каким был Париж в те годы. Город охвачен нервным напряжением, беспорядками. Яркое проявление эмоций достигнуто за счет резких контрастов светотени и динамики композиции в целом.
28. «Персики и груши»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1890-1894.
В последние десятилетия жизни П. Сезанн увлекся экспериментами по созданию кадрированных композиций и постановке предметов. В итоге ему удалось написать принципиально новые натюрморты, которые можно сравнить с пейзажами. Известно, что автор долго расставлял предметы, поворачивал их, приподнимал.
Расположение фруктов и посуды в пространстве также уникально за счет использования обратной перспективы. Стороны стола видны в разных плоскостях, а кувшин – одновременно в панорамном образе, в анфас и сверху. Техника классическая – отдельные мелкие разнонаправленные мазки.
29. «Булонский лес»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1902.
«Булонский лес» входит в серию полотен, созданных в одноименном заповедном уголке, где любили гулять многие жители Парижа. Картина написана под влиянием П. Сезанна. Это ощущается и в ее динамичности, и в выбранном мотиве (изгиб дороги).
Произведение относится к раннему периоду творчества А. Матисса, но в нем уже прослеживается авторский почерк, отхождение от традиций барбизонской школы. Несмотря на то, что в колорите преобладают темные цвета, художник добавил светлые краски. В нежных тонах изображены река, небо и солнце.
30. «Строители» или «Строители с алоэ»
Автор: Фернан Леже.
Годы создания: 1951.
«Строители» являются центральным произведением в серии работ, заказанных для украшения зданий. Данная тема была близка Леже. Он восхищался трудом маленьких людей, которые могли круглые сутки находиться под облаками, среди огромных металлических кранов и перекрытий. Живописца поражал этот контраст.
При написании картины автор максимально упростил художественные приемы, что сделало ее похожей на плакат. При этом выразительность не была потеряна благодаря динамичным вертикальным и горизонтальным линиям, композиционному построению. Работа показывает реалии советской эпохи, один из этапов индустриализации.
Галерея занимает три этажа, которые разделены на 26 залов. Одни из них посвящены отдельным художникам, другие – целым направлениям. Богатая коллекция заслуживает внимания и тронет сердце даже самого искушенного и требовательного ценителя искусства.
